Derroche de energía por los cuatro costados

De concierto con la gira Memphis Blues de Cyndi Lauper

 

Cyndi Lauper sigue siendo esa artista multicolor divertida que llenó de alegría los 80 con muchas de sus canciones. Todavía recuerdo cuando la vi por primera vez, en la pantalla de televisión que aparecía en una escena de la película Los Goonies. Aunque con su último disco, en el que se ha entregado al blues, su carrera ha dado un giro, aún conserva en su actitud la esencia de ese símbolo de la rebeldía juvenil en el que se convirtió, gracias a himnos del pop de los 80 como Girls Just Want To Have Fun, incluido en su debut She’s So Unusual.

No, no era una chica corriente Cyn, como la llaman sus amigas, que dicen de ella que es muy divertida. Tuvimos la oportunidad de comprobar como lo demuestra en vivo y en directo exhibiéndose como una mujer desenfadada y graciosa, y muy dicharachera también. La estrella del pop de los 80 no duda en recorrer el escenario de un lado a otro dando brincos, en bajarse de él y meterse entre el público, o incluso en trepar por las gradas. A sus 58 años está en buena forma y derrocha energía por los cuatro costados; otra prueba es que ha actuado cuatro días seguidos en España. Como hasta octubre no reanuda su gira, va a quedarse unos días por aquí descansando.

Cyndi conserva también otra de sus señas de identidad: esa estética ochentera desaliñada y atrevida. Ha sido extravagante siempre, desde que era una niña y le pedía a su madre que le hiciera ropa a medida de inspiración vintage. Al final le costaba caro, en el cole pensaban que era un bicho raro. La familia de su madre vivía de la industria textil, Cyndi se crió en una lavandería rodeada de trapos. También le sigue gustando jugar con su pelo, que lució en un atrevido color rojo chillón. Gracias a su aspecto rompedor y provocativo consiguió conectar muy bien con las adolescentes americanas en los 80, en parte porque, a pesar de tener más de 30 años, parecía una adolescente más. Al final, con sus letras positivas que invitaban a la rebeldía se metió a las jóvenes de todo el mundo en el bolsillo.

Pero esta artista neoyorquina no ha dejado de reinventarse, se niega a vivir en el pasado. Con su anterior trabajo, publicado en 2008, dio un giro al dance, y el año pasado se volcó en el blues, un estilo que adora y que escucha desde que era pequeña. Ha afirmado también que es el tipo de música que compra. En Memphis Blues, un disco del que ha contado que la lleva de vuelta a sus orígenes y que refleja cómo se está haciendo mayor, su voz áspera y salvaje se encuentra como pez en el agua, suena más poderosa que nunca. Arropada y aconsejada por algunas leyendas del blues como el armonicista Charlie Musselwhite, que la acompaña en los conciertos, ha dado forma, sin perder su estilo, a algunos standards que le han marcado. Lo de cantar las canciones de otros no es algo nuevo para ella, Cyndi empezó en una banda de rockabilly llamada Blue Angel que hacía versiones. Casi se deja la voz en el camino, a finales de los 70 los médicos le advirtieron que, o dejaba el rock n’ roll y cambiaba de estilo, o tendría que abandonar la música porque sus cuerdas vocales no lo resistirían.

El eje de los conciertos de Cyndi Lauper en el presente es el blues, no un repertorio de grandes éxitos de los 80; de hecho, integra con nuevos arreglos algunos clásicos como She Bop. No faltó Girls Just Want To Have Fun, que sonó a ritmo de reggae, ni las archiversionadas Time After Time o True Colors; con esta última suele cerrar sus actuaciones.

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Christopher Cross: “He hecho la música que quería hacer sin estar preocupado por su éxito comercial”

El cantante y compositor norteamericano presentó su recién estrenado disco, Dr. Faith, en los estudios de M80 Radio, interpretando dos temas en directo que podrás escuchar muy pronto en un programa especial.

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Esta semana ha visitado los estudios de M80 Radio el creador de grandes éxitos delicados y románticos como Sailing o Never Be The Same, el propietario de uno de los discos superventas de los 80, Christopher Cross, con el que consiguió el reconocimiento gracias a cinco premios Grammy.  Este cantante y compositor de origen tejano continúa escribiendo canciones y dando conciertos por todo el mundo. Seguramente, recordarás su frágil voz en la banda sonora de Arthur, el soltero de oro, una película protagonizada por Dudley Moore y Liza Minelli, que le proporcionó el Oscar a la Mejor Canción en el año 1981. Chris Cross ha creado temas sencillos, con melodías inolvidables, como la de Ride Like The Wind o All Right, que escuchas en M80 Radio.

La verdad es que fue un placer charlar con este hombre afable y sencillo. A primera vista puede dar la impresión de ser una persona muy seria, pero esta apariencia no es, ni más ni menos, que fruto de su timidez. Como nos dijo antes de marcharse, todo un detalle por su parte, se sintió muy cómodo y a gusto en los estudios de M80 Radio, le encantó charlar con nosotros. Esperamos recibirle de nuevo en la próxima visita, Christopher Cross quiere que la gira de Dr. Faith pase por España el próximo otoño.

 

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Mónica: Bienvenido de nuevo a España, bienvenido a M80 Radio. Enhorabuena, lo primero, por tu nuevo disco. Es un placer encontrarse de nuevo con tu frágil y delicada voz.

Christopher: Pero es por la mañana, estará mejor conforme vaya avanzando el día.

Mónica: Ha sonado muy bien.

Christopher: Oh, gracias.

Mónica: ¿Es un hombre que habla a través de la experiencia el que encontramos en Dr. Faith? ¿Qué has aprendido a lo largo de tu carrera y cuáles son tus prioridades hoy?

Christopher: Sí, es un álbum más maduro, en ideas y temas, como has dicho, de la experiencia de la vida. Acabo de cumplir 60 años, así que los temas cambian después de todo este tiempo. Estoy expresando mi opinión acerca de la política, acerca de la espiritualidad, de nuestras emociones.

Mónica: ¿Cómo has empezado este 2011?

Christopher: El álbum acaba de salir, en abril. Hemos empezado con tres semanas de promo por Europa, acabo de volver de Alemania, después de 10 días por toda Europa. Volveremos en otoño de gira. Está empezando todo ahora, el disco sale a la venta mañana en EEUU y Canadá. Estaré muy ocupado a partir de ahora.

Mónica: Si no recuerdo mal tu última visita fue en 2008. Te entrevisté durante la prueba de sonido. Recuerdo que cantaste una canción en español.

Christopher: Es difícil de creer que haya olvidado a una mujer tan bella, me estoy haciendo mayor.

Mónica: Muchas gracias… 

Christopher: Sí, cantamos una canción en español, Open Up My Window, de un disco de 1996 llamado Window, incluído también en mi anterior disco, The Cafe Carlyle Sessions. La tradujo una amiga mía, una chica con la que canto, Ana Guigui, como Abro mi ventana.

Mónica: Es de Argentina, ¿verdad?

Christopher: Sí, es de Argentina, así que su español, por supuesto, es muy fluido. La cantamos en español. De hecho, Kiki, la chica que toca conmigo ahora, aunque no habla español, he hecho la canción en español con ella también. Normalmente la hacemos en conciertos en países de habla hispana, claro. Parece que a la gente le gusta, la canción suena muy bien en español.

Mónica: A mí me encantó, tienes que cantar más en nuestro idioma…

Christopher: Sí, deberíamos publicarla en un disco, pero de momento no hemos hecho.

Mónica: Has dedicado este nuevo disco a Joni Mitchell, que es tu influencia nº1. También sé que te encanta Karen Carpenter, pero, ¿por qué has elegido a Joni y qué significa para ti?

Christopher: Bueno, de todos  los artistas que me han influenciado, si tengo que elegir a alguien la elijo a ella, armónicamente y líricamente, y también por la forma en la que dio un giro a su carrera, tenía canciones al principio que eran muy conocidas por el público pero entonces emprendió un viaje artístico que la llevó en mi opinión a lugares muy interesantes aunque el público perdió el contacto con ella  porque era muy sofisticado. Pero hizo lo que ella quería hacer sin preocuparle ser comercial, y yo de alguna forma he hecho lo mismo con mi carrera, tuve un gran comienzo en los 80 pero simplemente he hecho la música que quería hacer sin estar preocupado por su éxito comercial. No sé, siempre ha sido mi heroína en todos los sentidos. Me estoy haciendo mayor, y quería darle las gracias en este disco. No va a ser algo importante en su vida, porque ha recibido el agradecimiento y el reconocimiento por muchos grandes artistas. Prince es un gran admirador suyo. Muchos grandes artistas han manifestado que les ha influenciado. 

The Wall Live: conmovedor e intachable

El Muro de Roger Waters cae estos días en España

 

La puesta en escena de The Wall prometía desde el segundo 0, el gigantesco muro de 73 metros de ancho por 10 de alto, de ladrillos de cartón, construido y derribado a lo largo del concierto, fue iluminado con grandilocuencia por un impresionante estallido pirotécnico que intimidó a los espectadores situados más cerca del escenario, temían ser alcanzados por alguna chispa. La ambiciosa gira, que arrancó el pasado mes de septiembre en Toronto y que tiene fechas confirmadas hasta el próximo verano, presenta una nueva interpretación visual del álbum mucho más impactante que la original, adaptada a conflictos bélicos contemporáneos como los de Afganistán o Irak.

El sonido penetrante de un bombardero que parece pasar por encima de tu cabeza, un desfile de martillos gigantes, una danza de marionetas monstruosas de gran tamaño, una marcha militar con soldados que ascienden en una plataforma, la escucha de conversaciones telefónicas indescifrables que revolotean por no se sabe qué lugar del recinto, mensajes antimilitaristas en letras colosales, impactantes imágenes de niños hambrientos y víctimas de diferentes guerras… Los que llenamos hasta el techo el Palacio de Congresos de la Comunidad de Madrid nos sentamos en una macrosala de cine y disfrutamos boquiabiertos de asombrosas y nítidas proyecciones a gran escala, de una calidad de sonido Surround suprema y de efectos especiales e iluminación espectaculares. Cada pieza del rompecabezas de The Wall, interpretado ordenadamente por un enorme equipo humano, dejó tras de sí numerosos momentos hipnóticos. El Muro fue ejecutado con absoluta brillantez por su creador, Roger Waters. A sus 67 años, el que fuera el bajista de Pink Floyd desparrama una energía envidiable. No debe ser fácil afrontar a su edad una gira tan intensa y larga como la de The Wall, aunque ya superó la prueba con la de The Dark Side Of The Moon. Sonriente y agradecido, se entregó a su público durante las dos horas y media (con un descanso de unos veinte minutos) que duró este insuperable espectáculo de rock en grandes dimensiones.

¿Por qué Roger Waters ha sacado The Wall a la carretera 30 años después?

El objetivo era celebrar su 30 aniversario, pero también tratar a esta obra maestra como se merece, pasearla con grandeza con la gira que nunca tuvo. Pink Floyd, una banda que transformó los cánones del rock, sólo presentó The Wall en unas cuantas ciudades durante 1980-81 (Los Angeles, Nueva York, Londres y Dortmund, en Alemania). Fueron los últimos conciertos de la formación clásica. La ambiciosa puesta en escena fue tan costosa que casi dejó a la banda británica en la bancarrota. Tuvieron que suspenderla. La potente ópera-rock no volvió a subirse a un escenario hasta 1990. Entonces, se presentó rodeada de estrellas, cuando Roger Waters la recuperó con motivo de la caída del telón de acero de Berlín. Allí estuvieron arropándole, entre otros, Van Morrison, Cyndi Lauper, Bryan Adams, Sinead O’Connor o Scorpions. The Wall. Live In Berlin ha sido reeditado recientemente en DVD.

Roger Waters fue el cerebro pensante en The Wall, se entregó en cuerpo y alma a este proyecto. Mientras que David Gilmour publicaba un disco epónimo, Nick Mason producía a The Damned, y Richard Wright lanzaba Wet Dream, Waters ejercía de líder visionario y se adueñaba del poder en la banda. Cuando estos gigantes del rock progresivo se separaron en 1984 por las insoportables tensiones entre Waters y el resto de la formación, sus compañeros se quedaron con la marca “Pink Floyd” y con la mayor parte de su legado, y el bajista con su obra maestra, The Wall, y con las canciones que había compuesto para el grupo.

¿De qué trata The Wall?

La génesis de este disco conceptual hay que buscarla en un escupitajo que Roger Waters lanzó a un espectador en los 70. Pink Floyd siempre fue una banda inaccesible que vivía algo lejos de la realidad. Anoche el músico se disculpó por haber sido "miserable" con su público hace 30 años y afirmó que no podía estar más feliz de encontrarse en el Palacio con nosotros. Tenía una deuda pendiente.

El mítico doble álbum es una obra semi-autobiográfica: Pink es una estrella del rock que se enfrenta a la ruptura de su matrimonio mientras se encuentra de gira. El hilo conductor es su fracaso y deterioro mental, inspirado en la figura de Syd Barret, uno de los fundadores de Pink Floyd, que cayó enfermo por las drogas. Sería sustituido por David Gilmour. Obsesionado con la locura, Roger Waters se recluyó en su casa para dar forma a The Wall e ir gestando las bases de la película que protagonizaría Bob Geldof y dirigiría Alan Parker. Waters ha recordado la figura de Barret en repetidas ocasiones, anteriormente en otro de los discos imprescindibles de la banda: The Dark Side Of The Moon, cuyo concierto fue retransmitido desde Atarfe (Granada) para toda España por M80 Radio en 2008.

Pero The Wall es una historia de aislamiento y miedo mucho más compleja que las abordadas anteriormente por Roger. El epicentro es la incomunicación humana con alusiones a los totalitarismos y a los traumas derivados de las guerras. El personaje protagonista, Pink, se ve obligado a revisar toda su vida y construir un muro de protección alrededor de sí mismo. Cada ladrillo representa las cosas que le han hecho sufrir: la muerte de su padre en la Segunda Guerra Mundial (el padre de Roger Waters murió en este conflicto), una madre asfixiante y sobreprotectora, maestros de escuela viciosos, una mujer infiel o estúpidas groupies. Pink se imagina a sí mismo elevado a la posición de un dictador fascista, siendo el público su obediente seguidor. En el punto álgido de la historia se enfrenta a sus torturadores y el muro se derrumba. Sin embargo, en cuanto que el muro cae, otro comienza a erigirse lentamente sugiriendo, en una funesta conclusión, un ciclo perpetuo de encarcelamiento.

The Wall es el disco más vendido de la década de los años 70: llegó al nº1 en EEUU (se sentó en esa posición cómodamente durante 15 semanas) y al 3 en el Reino Unido. El single Another Brick In The Wall, Part 2 fue nº1 de las listas de más de 20 países. Hasta la fecha ha vendido más de 40 millones de copias y sigue sumando.

Y la fiesta continúa…

Roger Waters ha pasado con matrícula de honor la primera etapa en España. El 29 y 30 de marzo afrontará una nueva doble cita en el Palau Sant Jordi de Barcelona. Las entradas agotadas desde hace meses en tres de los cuatro conciertos, esta colosal ópera rock se ha hecho de rogar más de 30 años.

Inolvidable. Los amantes de Pink Floyd que no tuvimos la oportunidad de ver a la banda en directo podemos decir, tranquilamente, que este será “el concierto” de nuestra vida.

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¡Feliz 2011!

¡Feliz Navidad!

 

¡Feliz Navidad!

  

Exclusiva: O.M.D. ofrece un concierto en M80 Radio

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Nuestros estudios se convirtieron en una discoteca gracias al entusiasmo de los seguidores de Maniobras Orquestales en la Oscuridad.

Un grupo de oyentes privilegiados asistió a este exclusivo evento organizado por M80 Radio: O.M.D. repasó su historia interpretando en directo Electricity, History Of Modern Part 1, Souvenir, Made Of Orleans, Sister Mary Says y Enola Gay. Los estudios de M80 Radio se convirtieron en una pista de baile a las 12 de la mañana, nuestros oyentes recibieron a los británicos con verdadero entusiasmo. Al terminar la actuación pudieron hablar con Andy McCluskey y Paul Humphreys, hacerse unas fotos con ellos y llevarse algún disco firmado a casa de recuerdo.

     Antes de que empezara el concierto charlamos durante unos minutos con Andy y Paul: “nos conocemos desde que íbamos al colegio, somos gente distinta, fuimos en direcciones diferentes, pero ha sido fácil volver a reunirnos”, afirmó Andy. “Está siendo fantástico. Cuando volvimos de nuevo al local de ensayo estábamos un poco oxidados, pero es como montar en bicicleta, al principio te tambaleas, pero de repente te acuerdas de cómo se hace”, nos contó Paul.

Este 2010 los pioneros del electro pop han resucitado con History Of Modern, un disco que supone, por un lado, un regreso a los orígenes del grupo en Liverpool, al sonido de sus primeros clásicos, y por otro, la reunión de la formación original 24 años después de su separación. “Cuando decidimos hacer el disco escuchamos todas nuestras canciones y pensamos en las de nuestra etapa temprana, este es nuestro sonido, el sonido que creamos. Queremos volver a nuestro estilo otra vez, pero también era importante no ser totalmente nostálgicos, que la producción, que el disco suene bien en 2010”.

 

 

Entrevistamos a Ali Campell de UB40: "creo que me sentiría como si retrocediera si volviera a UB40"

Desde que dejó UB40 en 2008, Ali Campbell ha recorrido el mundo con su nuevo grupo de reggae, The Dep Band. Asegura que se encuentra más feliz que nunca, y que le resulta mucho más fácil hacer música ahora que en el pasado, cuando trabajaba con sus hermanos y amigos de la infancia. UB40 es un grupo roto, los Campbell no se dirigen la palabra, Ali lleva casi tres años sin tener ningún tipo de comunicación con sus hermanos. El inglés regresa a las versiones en Great British Songs, con esa fórmula que tantos éxitos proporcionó a UB40. En el interior del disco, clásicos de los Rolling Stones, The Beatles, The Kinks o The Who. 

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Llevamos mucho tiempo sin hablar contigo… ¿qué ha sido de tu vida todo este tiempo? He estado muy ocupado, salgo continuamente de gira con mi nueva banda, The Dep Band. Este año hemos viajado por todo el mundo, en Hawaii, en Sudamérica y por toda Europa. He estado haciendo lo que siempre hago, promocionar la música reggae.

Iba a preguntarte precisamente por The Dep Band, porque ahora publicas un disco en solitario, pero imagino que el proyecto continuará… Sí. Este es mi tercer disco en solitario, el cuarto, en realidad. El último se llama Great Brithish Songs y no es tanto un disco de Ali Campbell, sino Ali Campbell cantando grandes canciones británicas de los 60 de grupos simbólicos como los Beatles, los Rolling Stones, The Who, The Kinks, The Hollies… este disco es un proyecto diferente.

¿Por qué has elegido estas canciones en concreto, qué significan para ti? Nada, en realidad. Quería un reto, hacer versiones reggae de canciones representativas de los 60, que yo ni siquiera realmente escuché, ya que yo crecí escuchando reggae, no escuché mucha música pop. Así que para mí el desafío ha sido hacer versiones reggae de estas melodías del pop y del rock.

Para algunos sería imposible pensar en los Beatles y los Rolling Stones para el mismo disco... Yo nací en el baby boom, en 1959, y crecí como todo el mundo en mi época, escuchando a los Beatles, a los Stones… pero no escuchaba cosas como los Kinks y los Hollies. Y moviéndonos a The Who, Baker Street… esta a miles de millas de lo que yo escuchaba cuando crecía. Esto fue lo divertido de hacer este disco. Trabajé con Sly Dunbar and Robbie Shakespeare, reconocidos como unos de los mejores baterías y bajistas del mundo, son también mis amigos, además de mis héroes. Me fui a Jamaica y empecé el disco allí, y después volví y lo terminé en Inglaterra. Es más un disco experimental, y estoy  muy contento de cómo ha funcionado en Inglaterra, entró en el nº15. Estoy muy satisfecho.

¿Cómo ha sido volver a trabajar con estos maestros del reggae? Siempre es fantástico. Creo que he trabajado con ellos durante los últimos veinte años, de vez en cuando. Cuando puse en marcha UB40 éramos todos músicos autodidactas, en 1980, y la primera canción que UB40 aprendió a tocar estaba en un disco de Sly and Robbie con Gregory Isaacs. Sly and Robbie siempre me han influenciado mucho a mí y a UB40 y también al reggae. Siempre es un placer trabajar con ellos.

Supongo que aparte de ir a Jamaica a grabar viajas mucho allí… ¿dónde vives ahora, sigues en Birmingham? No, ya no vivo allí desde hace cinco años. Me moví al sur, junto al mar. Viví en Jamaica durante siete años, tenía una casa allí, y he estado viajando a Jamaica durante los últimos veinte años. Me encanta Jamaica, todavía voy y siempre me quedo en un lugar que se llama Strawberry Hill, que es un sitio precioso en las Blue Mountains. Incluso si no estoy trabajando voy allí de vacaciones.

Entrevista: Albert Hammond presenta 'Legend' en M80

El creador de infinidad de éxitos que escuchas en M80 Radio repasa su historia en nuestros estudios con motivo de la publicación de Legend, un doble álbum que estará en la calle el 23 de noviembre.

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It Never Rains In Southern California, One Moment in Time, al que diera voz Whitney Houston, Nothing's Gonna Stop Us Now, que interpretara Starship, o Don't Turn Around, grabado entre otros, por Ace Of Base, todas son canciones compuestas por Albert Hammond. A la vez que cosechaba éxitos en inglés consiguió triunfar en el mercado latino y español, seguro que recuerdas canciones como Ansiedad, Fallaste corazón, o Échame a mí la culpa. Albert se crió en Gibraltar, aunque no tiene acento gaditano cuando habla en español, sino más bien argentino. Su mujer es de Buenos Aires, llevan juntos más de 30 años.

La idea de hacer Legend se le ocurrió mientras que veía la televisión. En una entrevista a George Martin, el productor de The Beatles decía que John Lennon pensaba que volvería a grabar sus canciones cuando fuera mayor porque con la experiencia las podría hacer mejor. "Yo dije: ¡Qué buena idea, a los 66 años grabar las canciones que hiciste con tus veintitantos! Entonces me metí en el estudio e hice el disco". Para los que puedan pensar que este trabajo es un adiós, ni mucho menos: "Yo nunca me he retirado, lo que pasa es que siempre he estado detrás. En vez de estar cantando yo, he estado produciendo a otra gente, de Johhny Cash, a Roy Orbison, a Neil Diamond, Tina Turner, Diana Ross, Aretha Franklin, Whitney Houston". La lista es interminable, el curriculum de Albert Hammond es impresionante.

Todos han querido acompañarle en Legend, viejos y nuevos amigos: Bonnie Tyler o Cliff Richard para el CD que recoge una muestra representativa de su carrera en inglés, y Miguel Bosé, Raphael, Rosario, Ana Belén o Julio Iglesias, en el disco en español: "Fueron ellos los que se ofrecieron. A Julio lo llamé porque un amigo nuestro falleció" (Peter López, productor y abogado de Michael Jackson). Cuando le habló del proyecto, Julio le dijo: "¿Y a mí no me has llamado?". Albert le pidió que eligiera una canción y se quedó con Échame a mí la culpa. "A Rosario le sugerí Espérame en el cielo. Yo era muy amigo de su madre. Lola siempre me decía: 'Hammond, niño, ¿cuándo le vas a escribir una copla a mis hijos?', y aquí se hizo realidad, porque cantamos una canción su hija y yo. Pensé que esta canción era perfecta porque su mamá está en el cielo. Cuando la cantamos fue magia". De su hijo, Albert Hammond Jr. (guitarrista de The Strokes), que le acompaña en la única canción nueva de Legend, Changing Me, habla maravillas: "El chico es fantástico. Es un buen chico, un buen ejemplo para la juventud. No fuma, no bebe. No es que no lo hizo, sino que se dio cuenta de que no le va a llevar muy lejos". 

Entre sus proyectos más recientes también se encuentra el último disco de Duffy (ya se ha estrenado el single de adelanto, Well, Well, Well): "Mi mujer la vio en televisión en EEUU y me llamó y me dijo: 'acabo de ver a una chica, rubia, blanca, que canta como una negra. Sería fantástico que escribieras con ella'. Se tomó algo con la galesa en los Grammys de 2008 y le dijo que tenía un título para una canción: Don't Forsake Me. Al despedirse, Duffy le comentó que le encantaba el título porque "esa es mi vida. ¿Cuándo la podemos escribir?". Esa misma noche después de los Grammys se fue con Albert a su casa y la escribieron juntos. El siguiente paso fue viajar a España. Pasaron dos semanas en el sur y compusieron 21 canciones: "El disco de Duffy prácticamente está escrito aquí, en España".

Una entrevista bilingüe para un cantante y compositor bilingüe

Podemos decir que Legend es un disco intercultural. Has reunido las canciones más relevantes de tu carrera en español y en inglés. Es un gran logro como cantante y compositor haber conseguido llegar a tanta gente en dos idiomas distintos. Sí, creo que es algo excepcional. Me di cuenta de que contaba con esa singularidad al poder hacerlo con los dos idiomas: escribir, hablar y entender ambos, y me aproveché de esta ventaja porque adoro las dos lenguas. Nunca las aprendí en el colegio, las aprendí en la calle. Cuando tenía 5 años ya podía hablar los dos casi a la perfección.

El placer de escuchar a Suzanne Vega

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La cantante neoyorquina ha visitado este jueves los estudios de m80 radio. Por la noche actuó en Hard Rock Cafe Madrid para apoyar a las mujeres que padecen cáncer de mama.

Qué buen equipo: una cantante solidaria, Suzanne Vega, un restaurante solidario, Hard Rock Cafe, y una emisora solidaria, m80 radio. Anoche unimos fuerzas para recaudar fondos para el programa “Mucho por vivir” de la Asociación Española Contra el Cáncer. Suzanne Vega es una artista comprometida con la defensa de los derechos humanos, especialmente de mujeres y niños, y Hard Rock Café lleva a cabo este mes de octubre diferentes acciones en sus restaurantes de todo el mundo para respaldar económicamente muchos proyectos solidarios a través de “Pinktober”.

Por la mañana la cantante neoyorquina se acercó a los estudios de m80 radio. Resulta realmente placentero escucharla hablar, la dicción de Suzanne es perfecta. Reside en Nueva York desde que era pequeña, pero jamás la hubiera ubicado allí por su acento. Me contaba que a veces, sólo cuando se emociona, aflora la forma de hablar de la ciudad de los rascacielos. “Mi padrastro, que fue quien me crió, Eduardo Vega, vino de Puerto Rico y se aseguró de que ninguno de nosotros hablara con un acento concreto”. Como curiosidad, te contamos que a Suzanne Vega se la conoce como “la madre del mp3”. Tom’s Diner fue elegida para perfeccionar el formato de compresión, mientras que otras canciones sonaban bien, la voz de Suzanne se deformaba.

Este 2010 Vega celebra sus 25 años en la música. Ya han pasado más de dos décadas desde que triunfara con “Luka”, pero a sus clásicos parece no afectarles el paso del tiempo, es como si hubieran bebido un sorbito de alguna poción mágica que los mantiene jóvenes. En concreto esta canción, “Luka”, que habla del maltrato a menores, sigue despertando interés: “Todavía recibo historias de chicas jóvenes que me cuentan que no pueden creer que escribiera la canción porque realmente expresa cómo se sienten”. En Close-Up Vol. 2, People & Places, su nuevo disco publicado hace sólo unos días, Vega ha hecho más suyas todavía algunas de sus creaciones en todo el sentido de la frase: “Sentía que a mi público le gustaría escuchar los temas con un formato más básico. Otra razón es para poder poseer las grabaciones de mis canciones”.

Esta noche actúas en Hard Rock Café, ¿cómo te vamos a ver allí? Me vais a ver a mí a la guitarra y cantando, acompañada de un guitarrista, Gerry Leonard, que toca la guitarra acústica y la eléctrica. Es una producción sencilla, pero no sólo acústica, hay mucha variedad. Voy a cantar canciones nuevas y antiguas, muchas de ellas del volumen 2 de Close-Up, que salió la semana pasada o hace dos semanas. Lo he estado promocionando. Muchas de las canciones que voy a cantar son una persona, con un nombre, o un lugar, New York o Liverpool.

¿Cómo es tu vida en Nueva York? El segundo volumen de Close-Up está muy relacionado con la ciudad en la que resides. Sí, especialmente éste, People & Places. El lugar normalmente es Nueva York, empieza y termina allí. El primer volumen fue de canciones de amor. Mi vida en Nueva York es estupenda, continua siendo interesante, pero ojalá pudiera pasar más tiempo allí. En la actualidad viajo casi todo el tiempo. Nueva York es la misma mezcla de problemas y triunfos que siempre ha sido. Siempre hay algo glorioso que sucede y al mismo tiempo algo terrible. Soy consciente de todo el espectro.

Es muy agradable escucharte hablar, tu dicción es perfecta. Pero, por tu acento nunca te hubiera ubicado en Nueva York... No, no tengo acento de Nueva York. De vez en cuando sale, cuando me emociono mucho, que casi nunca me pasa en público. Mi padrastro, que fue quien me crió, Edgardo Vega, procedente de Puerto Rico, se aseguró que ninguno de nosotros hablara con un acento concreto. Era un tema importante en su familia, porque su madre siempre habló con un acento puertorriqueño muy fuerte durante los 40 o 50 años que vivió en Nueva York. Si volvíamos a casa hablando como los niños del vecindario, me pedía que me pusiera delante de él para corregirme hasta que consiguiera hablar claro. Y ahora incluso hago programas de radio por mi forma de hablar. Ahora ya sabes la historia que está detrás de mi dicción.

¿Cómo está tu hija, Ruby? Está muy bien, estudia música y canto, es una cantante clásica, estudia ópera y música clásica, toca el piano. Tiene 16 años y está enorme. 

¿Crees que será cantante, como tú? Sinceramente, es mejor cantante que yo. Tiene un rango más amplio. Mi voz es más simple, es diferente pero más limitada. Ella puede cantar mejor los altos y los graves. Tiene un talento musical como el de su padre, puede tocar varios instrumentos, el piano, el bajo y el celo, y todo lo que quiera. Ahora está decidiendo a qué colegio quiere ir y lo que desea hacer con todo su talento musical. Compone canciones pero creo que llegará más lejos, probablemente será directora o productora.

Eres la madre de Ruby pero también la madre del mp3. No creo que mucha gente sepa ésto... Sí, supongo que no (risas). Vi que lo contaban en Twitter en español, al final ha terminado la historia ahí. "Suzannge Vega es la madre del mp3". Utilizaron mi voz para perfeccionar el mp3 en los 80 y 90 cuando empezaron a trabajar en él en los laboratorios de sonido en Alemania. Karlheinz Brandenburg pensó que había terminado y que si funcionaba podía coger Tom's Diner y sonaría perfectamente. Pero cogió la canción, la comprimió, y sonaba muy mal, con mucha distorsión. Durante meses trabajaron con ella hasta que consiguieron perfeccionar el formato y que se escuchara bien. Un periodista dijo que cada mp3 es el resultado de la voz de Suzanne Vega y el oído de Brandenburg. Esto me convierte a mí en la madre y a él en el padre de cada mp3. Aunque nadie realmente se beneficia de ésto económicamente, no es que yo consiga ningún royalty  (risas). Es un momento fascinante de la historia.